O FALCÃO MALTÊS

**************** A MALDIÇÃO DO OSCAR

2012-02-24T22:09:00.028-03:00

Edição Nº 75

O Oscar e Faye Dunaway

Receber uma indicação ao Oscar, o prêmio máximo da indústria cinematográfica mais influente do mundo, já é uma grande honraria. Ganhá-lo, então, é garantia de uma avalanche de propostas de trabalho, prestígio e muito dinheiro. Porém, inúmeros casos têm mostrado que ganhar a tão cobiçada estátua dourada da Academia de Hollywood nem sempre é vantajoso. Enquanto para uns traduz-se em novos filmes de qualidade e um cachê reforçado, para outros a realidade é bem mais cruel, ou seja, tal reconhecimento tem o seu preço. Nesses casos, o desbunde pós-Oscar trouxe uma série de escolhas profissionais erradas e a conseqüente bancarrota. Fala-se, inclusive, numa suposta MALDIÇÃO DO OSCAR, referindo-se a esses intérpretes premiados que não emplacaram mais sucessos depois de levarem uma estatueta para casa. A lista é imensa, do inglês Robert Donat, ainda nos anos 30, a Faye Dunaway na década de 70. E muitos outros.

Eles se perderam na própria vaidade ou nos projetos selecionados, enfim, há varias teorias sobre os amaldiçoados pelo Oscar. Como não se lembrar de Hattie McDaniel, que fez um discurso emocionante ao receber o Oscar e nunca mais conseguiu outro papel à altura? Ou do italiano Roberto Benigni, saindo do auge da carreira com “A Vida é Bela / La Vita è Bella” (1997) para a mais completa irrelevância? Quem lembra mais da surda-muda Marleen Matlin, premiada por “Filhos do Silêncio / Children of a Lesser God” (1986)? E Cuba Gooding Jr.? O papel de um jogador de futebol norte-americano temperamental em “Jerry Maguire – A Grande Virada / Jerry Maguire” (1996) rendeu-lhe o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, mas não conseguiu afastá-lo de uma série de longas constrangedores, de gosto duvidoso.

Relembre abaixo treze casos de premiados que não conseguiram superar a MALDIÇÃO DO OSCAR:

ROBERT DONAT

Donat e Greer Garson

Grande ator teatral inglês, depois de indicado por “A Cidadela/ The Citadel” (1938) e levar o Oscar por “Adeus, Mr. Chips / Goodbye, Mr. Chips” (1939), só voltaria a filmar em 1942, vítima de asma crônica e forte depressão. Apenas teria destaque outra vez no final dos anos 50, em “A Morada da Sexta Felicididade / The Inn of the Sixth Happiness”, ao lado de Ingrid Bergman, no papel de um velho chinês. Mas morreu antes de vê-lo terminado.

HATTIE McDANIEL

McDaniel e Fay Bainter

No curso de sua carreira, apareceu em mais de 300 filmes, tendo seu nome aparecido nos créditos de apenas 80 deles. Por causa dos preconceitos daquela época contra atrizes afro-americanas, ela quase sempre interpretou empregadas. Certa vez disse: "Por que devo reclamar enquanto ganho 700 dólares por semana sendo uma empregada nas telas? Se não fosse uma nas telas, ganharia sete dólares por semana sendo uma de verdade”. A sua estatueta pela Mammy de “...E o Vento Levou / Gone with the Wind” (1939) foi um dos momentos mais especiais do Oscar, afinal ela fez história como a primeira atriz negra a ser premiada. No entanto, mesmo continuando a filmar até 1949 (três anos antes de morrer), não cresceu como atriz, repetindo os mesmos pequenos papéis de criada benevolente, somente destacando-se em “Nascida para o Mal / This Our Life” (1942), como uma dona de casa cujo filho é acusado injustamente por um atropelamento.

KIM HUNTER

A Stella Kowalski de “Uma Rua Chamada Pecado / A Streetcar Named Desire” (1951) deu-lhe o Oscar e o Globo de Ouro, ainda assim a carreira da atriz de 29 anos não deslanchou, sendo incluída na lista negra de Hollywood sob acusação de pertencer ao Partido Comunista durante o período do macartismo. Fez mais alguns filmes e séries para a tevê, voltando a ser notícia mais de quinze anos depois como a Zira de “O Planeta dos Macacos / Planet of the Apes” (1968).

SHIRLEY BOOTH

Booth e Fredric March

Repetindo a personagem que havia feito na Broadway, levou o Oscar por “A Cruz de Minha Vida / Come Back, Little Sheba” (1952). Num papel pensado para Bette Davis, ganhou com ele também o Globo de Ouro e o prêmio dos Críticos de Nova York. No entanto, a estatueta não foi benéfica para a veterana atriz de teatro. Fez apenas mais quatro filmes, sendo esquecida rapidamente. Terminou voltando para os palcos, ganhando três prêmios Tony.

DONNA REED

Frank Sinatra e Donna Reed

Tinha tudo para ser uma estrela. Bela e talentosa, fazia cinema desde 1941, repetindo o mesmo papel de namoradas e esposas respeitáveis, mas por ironia levou o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante como uma prostituta em “A Um Passo da Eternidade / From Here to Eternity” (1953). Então, todos acreditaram que sua carreira cresceria. Aconteceu justamente ao contrário, passando a protagonizar produções baratas e seriados de tevê. Seu único bom momento cinematográfico pós-Oscar aconteceu em “A Última Vez Que Vi Paris / The Last Time I saw Paris” (1954), mas a figura central era a Elizabeth Taylor.

SHIRLEY JONES

Hugh Griffith e Jones

Vinha de dois famosos musicais, “Oklahoma! / Idem” (1955) e “Carrossel / Carousel” (1956), conseguindo a chance de provar que era atriz em “Entre Deus e o Pecado / Elmer Gantry” (1960), como a prostituta Lulu Bains. Levou a estatueta de Melhor Atriz Coadjuvante, mas ficou por aí, direcionando sua carreira para séries de tevê e musicais na Broadway.

GEORGE CHAKIRIS

O Oscar que ele recebeu pelo papel de Bernardo, líder dos “Sharks”, no musical “Amor, Sublime Amor / West Side Story” (1961), foi injusto (estaria mais bem representado por Montgomery Clift ou George C. Scott). Canastrão e nada carismático, fez um ou outro filme, mas não se deu bem nunca mais. Antes participou em vários filmes como dançarino ou membro do coro. Inclusive no famoso número "Diamonds Are a Girl's Best Friend", ao lado de Marilyn Monroe, em “Os Homens Preferem as Loiras / Gentlemen Prefer Blondes”, de 1953. No começo da década de 1960, tornou-se cantor de músicas pop, obtendo relativa repercussão.

PATTY DUKE

Ela tinha dezesseis anos e um belo papel nas mãos em “O Milagre de Annie Sullivan / The Miracle Worker” (1962), o que pouco significou para sua carreira no cinema. No futuro faria programas e séries de tevês, além de filmes descartáveis como “O Vale das Bonecas / Valley of the Dolls” (1967), interpretando uma drogada e alcoólica estrela. Terminou sendo diagnosticada com transtorno bipolar.

TATUM O’NEAL

Aos dez anos recebeu o Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante por “Lua de Papel / Paper Moon” (1973), de Peter Bogdanovich, tornando-se a pessoa mais jovem a ganhar uma estatueta. Filha do ator Ryan O’Neal, nunca havia trabalhado antes no cinema, o que tornou ainda mais impressionante sua escolha para o prêmio. Ela nunca conseguiu repetir esse sucesso. Um dos culpados pela fragilidade de sua carreira teria sido o próprio pai, que, de acordo com ela, a teria abusado física e psicologicamente por causa do uso de drogas. Em sua adolescência, a própria atriz se viciou em heroína e, em 2008, foi presa comprando crack em Nova York.

LOUISE FLETCHER

O seu prêmio é um dos mais criticados da história da Academia. A favorita era a francesa Isabelle Adjani, fabulosa em “A História de Adele H / L’Histoire d’Adele H”, de Truffaut. Atriz ruim, caricata, Fletcher não protagoniza “Um Estranho no Ninho / One Flew Over the Cuckoo’s Nest” (1975), seu papel da enfermeira Ratched é pequeno, de coadjuvante (tinha sido recusado por Anne Bancroft, Ellen Burstyn e Jane Fonda). Na cerimônia de premiação, ela fez seu discurso em linguagem de sinais, para homenagear seus pais deficientes auditivos. Mas a badalação foi ilusória. Fez escolhas ruins – como “Exorcista II – O Herege / Exorcist II: The Heretic” (1977) – e nunca solidificou sua carreira, especializando-se em megeras e filmecos de terror.

FAYE DUNAWAY

A estrela ganhou o Oscar de Melhor Atriz em 1977 por sua executiva impávida e neurótica em “Rede de Intrigas / Network”, dirigido por Sidney Lumet. Na época, aos 36 anos, estava no auge. Já havia sido indicada por papéis memoráveis em “Bonnie e Clyde – Uma Rajada de Balas / Bonnie and Clyde”, em 1967, e “Chinatown / Idem”, em 1974. O reconhecimento da Academia não serviu para manter sua carreira em alta. Passou a fazer filmes de péssima qualidade. Cinco anos após ganhar a estatueta, recebeu o Framboesa de Ouro, paródia do Oscar que premia os piores do ano, por sua exagerada atuação em “Mamãezinha Querida / Mommie Dearest”, de 1981. Depois disso, nunca mais conseguiu um papel decente em Hollywood.

F. MURRAY ABRAHAM

Abraham e Shirley MacLaine

Nem o Oscar por "Amadeus / Idem" (1984), em que interpretou o compositor italiano Antonio Salieri, fez com que o ator deixasse de ser coadjuvante. Ele havia feito papéis menores nos cultuados “Todos os Homens do Presidente / All the President’s Men”, de 1976, e “Scarface / Idem”, de 1983, e logo após receber o prêmio interpretou o vilão de “O Nome da Rosa / Der Name the Rose” (1986), estrelado por Sean Connery. Depois disso, mergulhou em filmes comerciais. Um desperdício para um artista que ganhou o prêmio máximo do cinema norte-americano.

ADRIEN BRODY

Praticamente desconhecido, recebeu em 2003 o Oscar de Melhor Ator por sua atuação no drama de guerra “O Pianista / The Pianist” (2002), de Roman Polanski. Ele perseguia o sucesso fazendo pontas em filmes como “Além da Linha Vermelha / The Thin Red Line”, de 1998, ou “O Verão de Sam / Summer of Sam”, de 1999. Com o Oscar nas mãos e o reconhecimento após um papel de enorme carga dramática, desperdiçou seu talento em filmes abomináveis, participando de uma série de roubadas. Nunca mais se deu bem.

*********** AS ESTRELAS DA WARNER BROS.

2012-02-21T22:45:00.022-03:00

Doris Day

Fundada em 1923 e ainda hoje em atividade, a WARNER BROS. PICTURES é a minha produtora de filmes favorita (seguida de perto pela RKO Radio Pictures). No seu auge, nos anos 30-40, tinha uma visão do mundo que era mais sombria, mais cínica e mais problemática que qualquer outra concorrente. Diretos e realistas, escuros e tensos, seus filmes dessa época falam de questões sociais, traduzem a cultura popular, defendem os explorados e oprimidos. Muitas vezes selvagens, sem limites, enveredam em matanças, diálogos fortes, verdade seminua e descida à escuridão. Especialista em cinebiografias, histórias de gangsteres, aventuras apaixonantes e dramas noir, o estúdio durante muito tempo teve o lendário judeu Jack Warner no comando. Rin-Tin-Tin foi sua primeira estrela, de 1928 a 1933. Depois do simpático cachorro, muitas outras estrelas marcaram a história da WARNER e do próprio cinema. Confira.

EDWARD G. ROBINSON

(1893-1973)

Na WB de 1930 a 1942
Total de filmes na WB: 22

Vindo de uma elogiada carreira na Broadway, estreou no cinema em 1923. Tornou-se estrela com o sucesso de “Alma no Lodo / Little Caesar” (1931), no papel de um cruel mafioso. Brilhou também sob a direção de Fritz Lang, Billy Wilder, John Huston, Orson Welles, Frank Capra e John Ford. Sua carreira abalou-se ao ser intimidado para depor perante o Comitê de Atividades Anti-Americanas, por ser supostamente simpatizante do comunismo. Depois de seu falecimento, recebeu um Oscar póstumo.

Principais filmes na Warner: “Alma no Lodo” (Mervyn LeRoy) e “Confissões de Um Espião Nazista / Confessions of a Nazi Spy” (Anatole Litvak, 1939).

JAMES CAGNEY

(1899-1986)

Na WB de 1930 a 1942
Total de filmes na WB: 40

Atarracado, baixinho e feio, foi também o mais versátil dos astros: seus memoráveis delinqüentes fanfarrões e agressivos transformavam-se em enérgicos e charmosos dançarinos. Seu bandido malvado de “O Inimigo Público / The Public Enemy” (1931), famoso por esmagar um grapefuit no rosto de Mae Clarke, fez dele, juntamente com Edward G. Robinson, o arquétipo do gangster de cinema. Recebeu o Oscar por sua atuação no alegre e patriótico musical “A Canção da Vitória / Yankee Doodle Dandy”, de 1942. Aposentou-se após um cômico tour de face como um gerente de vendas da coca-cola em “Cupido Não Tem Bandeira / One, Two, Three” (1961), de Billy Wilder, mas retornou vinte anos depois com um pequeno papel em “Na Época do Ragtime / Ragtime” (1981).

Principais filmes na Warner: “Heróis Esquecidos / The Roaring Twenties” (Raoul Walsh, 1939) e “Fúria Sanguinária / White Heat” (Raoul Walsh, 1949).

BETTE DAVIS

(1908-1989)

Na WB de 1932 a 1949
Total de filmes na WB: 52

Teve início na Broadway, em 1928. Sua longa e ilustre associação com a Warner gerou papéis famosos e dois Oscars, por “Perigosa / Dangerous” (1935) e “Jezebel / Idem” (1938). Temperamental, suas discussões com Jack Warner sobre salários e sobre a qualidade dos roteiros são famosas, resultando em batalha judicial. Ao sair do estúdio, interpretou a personagem Margo Channing de “A Malvada / All About Eve” (1950).

Principais filmes na Warner: “A Carta / The Letter” (William Wyler, 1940) e ‘A Estranha Passageira / Now, Voyager” (Irving Rapper, 1942).

PAUL MUNI

(1895-1967)

Na WB de 1932 a 1939
Total de filmes na WB: 11

Tinha um cuidado perfeccionista com os papéis que desempenhava, analisando até o impacto da maquiagem em cada um. “Scarface, a Vergonha de Uma Nação / Scarface” e “O Fugitivo / I Am a Fugitive From a Chaing Gang”, ambos de 1932, lançaram-no como astro. Ganhou um Oscar em 1936. Depois de alguns atritos sobre os papéis que lhe foram oferecidos, saiu da Warner e sua carreira nunca mais foi a mesma.

Principais filmes na Warner: “A História de Louis Pasteur / The Story of Louis Pasteur” (William Dieterle, 1936) e “A Vida de Emile Zola / The Life of Emile Zola” (William Dieterle, 1937).

ERROL FLYNN

(1909-1959)

Na WB de 1935 a 1950
Total de filmes na WB: 34

Não era um grande ator, mas possuía uma personalidade atlética e atraente, agitando clássicos de aventura. Rei das matinês juntamente com sua parceira nas telas, a dócil Olivia de Havilland, era um conhecido farrista, cuja reputação foi seriamente abalada após acusações de relacionamento sexual com menores. Enveredou pela bebida e perdeu o encanto, morrendo jovem.

Principais filmes na Warner: “Capitão Blood / Captain Blood” (Michael Curtiz, 1935) e “As Aventuras de Robin Hood / The Adventures of Robin Hood” (Michael Curtiz e William Keighley, 1938).

HUMPHREY BOGART

(1899-1957)

Na WB de 1936 a 1948
Total de filmes na WB: 49

Personificação do sujeito durão, apesar do seu jeito seco tornou-se muito influente e popular e virou um dos maiores mitos de Hollywood. Sua maneira arrastada de falar e seu rosto de pedra, duas características marcantes, foram resultado de um incidente, ocorrido na Primeira Guerra Mundial, que quase dilacerou seu lábio superior. Tornou-se um astro em 1941, quando George Raft e Paul Muni recusaram rodar “Seu Último Refúgio / High Sierra”. Consolidou-se com uma série de filmes notáveis, permanecendo no topo até sua morte precoce, aos 57 anos.

Principais filmes na Warner: “Casablanca / Idem” (Michael Curtiz, 1942) e “O Tesouro de Sierra Madre / The Treasure of the Sierra Madre“ (John Huston, 1948).

ANN SHERIDAN

(1915-1967)

Na WB de 1937 a 1948
Total de filmes na WB: 40

Considerada símbolo sexual, o que ajudou sua carreira, contudo, tal estigma, juntamente com filmes e papéis medíocres, ocultou sua inteligência e charme naturais. Impressionou com sua atuação como a garçonete de “Dentro da Noite / They Drive by Night” (1940). Mas alcançou realmente o sucesso trabalhando ao lado de Ronald Reagan em “Em Cada Coração um Pecado / Kings Row” (1942). Sua popularidade decaiu na década de 50 e ela fez telenovelas antes de morrer prematuramente por câncer.

Principais filmes na Warner: “Dentro da Noite” (Raoul Walsh) e “Em Cada Coração um Pecado” (Sam Wood).

JOHN GARFIELD

(1913-1952)

Na WB de 1938 a 1946
Total de filmes na WB: 22

Cria da ribalta, sua personalidade forte excitava o público mais jovem de um modo não visto novamente até Marlon Brando surgir nas telas. Ele personificava na Warner o solitário insatisfeito, mas teve em outros estúdios os seus melhores papéis: o vagabundo de “O Destino Bate à Sua Porta / The Postman Always Rings Twice” (M-G-M, 1946); uma vítima do boxe em “Corpo e Alma / Body and Soul” (Entreprise, 1947); e um rebelde cubano em “Resgate de Sangue / We Were Strangers” (Columbia Pictures, 1949). A paranóica marca anticomunista do macartismo arruinou sua carreira, levando-o a uma morte prematura.

Principais filmes na Warner: “Dias Sem Fim / Castle on the Hudson” (Anatole Litvak, 1940) e “Acordes do Coração / Humoresque” (Jean Negulesco, 1940).

IDA LUPINO

(1918-1995)

Na WB de 1940 a 1947
Total de filmes na WB: 13

Por um momento pareceu que ela iria superar Bette Davis aos olhos do público. Com rosto de boneca, estreou no cinema aos treze anos. Passou pela Paramount e pela Columbia, mas realmente se fortaleceu na Warner. Depois de inúmeras atuações notáveis, começou a dirigir em 1950. Apareceu pela última vez nas telas em 1978.

Principais filmes na Warner: “Dentro da Noite” e “Seu Último Refúgio”.

JOAN CRAWFORD

(1905-1977)

Na WB de 1944 a 1952
Total de filmes na WB: 9

Ocultando o passado de dançarina de cabaré e atriz pornô, reinou na Metro-Goldwyn-Mayer por quinze anos. Era um exemplo da típica estrela de cinema, estabelecendo-se após muita luta e intrigas como a perfeita personificação de charme, firmeza e sensualidade. Excelente atriz, passou a trabalhar no estúdio da sua arqui-rival Bette Davis, em 1944, e no ano seguinte ganharia o Oscar de Melhor Atriz. Nos anos 60, sua carreira se reergueu com o êxito de “O Que Aconteceu com Baby Jane? / What Ever Happened to Baby Jane?” (1962). Seguiram-se filmes de terror de pequeno orçamento e no final de sua vida, riquíssima (seu último marido era dono da Pepsi Cola), tornou-se reclusa e alcoólatra.

Principais filmes na Warner: “Almas em Suplício / Mildred Pierce” (Michael Curtiz, 1945) e “Acordes do Coração”.

LAUREN BACALL

(n. em 1924)

Na WB de 1944 a 1950
Total de filmes na WB: 6

Assim que surgiu nas telas, conquistou imediatamente seu posto de musa em Hollywood e criou um novo estilo de heroína, glacialmente distante. A trajetória de sua carreira sofreu um grave abalo durante a luta de seu marido, Humphrey Bogart, contra o câncer. Também enfrentou brigas com a Warner, que lhe entregava papéis inadequados. Nunca deixou de fazer sucesso, inclusive na Broadway, e ainda hoje atua, aos 86 anos.

Principais filmes na Warner: “Uma Aventura na Martinica / To Have and Have Not” (Howard Hawks, 1944) e “Paixões em Fúria / Key Largo” (John Huston, 1948).

DORIS DAY

(n. em 1924)

Na WB de 1948 a 1954
Total de Filmes na WB: 15

Começou como cantora, até encontrar a fama como heroína pouco inteligente nos musicais e comédias da Warner. Chamada de “a eterna virgem”, era uma das mais populares e bem pagas estrelas dos anos 50. Na década de 60, com a revolução sexual, ficou fora de moda, mas o tempo lhe fez justiça, reconhecendo seu talento.

Principais filmes na Warner: “Êxito Fugaz / Young Man with a Horn” (Michael Curtiz, 1950) e “Ardida Como Pimenta / Calamity Jane” (David Butler, 1953).

VIRGINIA MAYO

(1920-2005)

Na WB de 1949 a 1954
Total de filmes na WB: 17

Dona de uma beleza glamorosa e sensual em seus traços perfeitos, cabelos louros e levemente estrábicos olhos verdes, nunca foi uma atriz que dominasse todas as sutilezas da profissão. Contratada por Samuel Goodwyn e depois pela Warner, era querida pelas platéias das décadas de 40 e 50, atuando ao lado de grandes astros, como Burt Lancaster, Gregory Peck, Alan Ladd e Paul Newman. Fez muitos filmes de aventura, policiais e westerns. Em 1947, casou-se com o ator Michael O'Shea, com quem viveu até a morte deste, em 1973, e com quem contracenou no cinema, tevê, rádio e teatro.

Principais filmes na Warner: “Fúria Sanguinária” e “O Gavião e a Flecha / The Flame and the Arrow” (Jacques Tourneur, 1950).

***** ENTRE A LITERATURA E O CINEMA: VISCONTI

2012-02-20T00:18:00.000-03:00

Luchino Visconti

(01)

Dilacerado entre convicções socialistas e a nostalgia dos valores perdidos de sua formação aristocrática, o esteta italiano LUCHINO VISCONTI (1906-1976) conseguiu unir a grandiosidade e o intimismo, a sensualidade e a política em filmes de arquitetura rigorosa e refinamento visual. Apaixonado pela beleza, filmou, com paixão, alguns dos rostos mais belos que já passaram pelas telas: Romy Schneider, Alain Delon, Jean Sorel, Silvana Mangano, Massimo Girotti, Maria Schell, Jean Marais, Charlotte Rampling, Claudia Cardinale, Alida Valli, Farley Granger, Claudia Cardinale, Pierre Clémenti, Burt Lancaster, Dominique Sanda, Anna Karina, Florinda Bolkan e Helmut Berger. Mestre em adaptações literárias, levou para as telas obras de Thomas Mann, Albert Camus, Lampedusa, Vasco Patrolini, Gabriele D’Annunzio, James Cain e Dostoievski. De um cinema pessoal e passional, nasceu nobre, filho de um Duque, evidente no nome de batismo e nos títulos: Luchino dei Duchi di Grazzano Visconti, Conde di Lonate Pozzolo, Signore di Corggeno, Consignore di Somma, Crenna e Agnadello. Durante sua juventude contactou com importantes intelectuais e artistas, como o maestro Toscanini, o compositor Puccini e o escritor D'Annunzio. Interessou-se desde cedo pela música, pela literatura e pelo teatro, mas também pelos cavalos, que se tornaram uma paixão. Tendo feito o serviço militar em 1926 na cavalaria, passou a criar cavalos puro-sangue destinados às corridas. O cinema surgiria na sua vida mais tarde.

"O Leopardo"

(02)

Dedicado à cenografia e aos figurinos de teatro, em 1936 conheceu o produtor Gabriel Pascal, que lhe acenou com a possibilidade de dirigir a adaptação de um conto de Gustave Flaubert para a produtora britânica de Alexander Korda. Porém, o projeto não vingou. Desanimado, procurou em Paris a amiga estilista Coco Chanel, que o apresentou a Jean Cocteau e a Jean Renoir. Este último o contratou como um dos assistentes do inacabado “Une Partie de Compagne” (1935), de “Toni” (1935) e “Les Bas-Fonds” (1936). O mestre Renoir seria uma influência marcante, e esses trabalhos, o primeiro passo de uma carreira que iria crescer definitivamente na Itália.

(03)

Magnani em "Belíssima"

Ele queria Anna Magnani como atriz principal do seu primeiro filme (e o primeiro dito neo-realista, embora com elementos noir), o clássico de luxúria, adultério e morte “Obsessão / Ossessione” (1943), baseado em um romance de James Cain. Mas não era nada fácil, pois naquela época os produtores não acreditavam no talento dramático da futura diva. Eles a viam apenas como uma excelente comediante. No entanto, LUCHINO VISCONTI se apoiava na atuação de Magnani em “Teresa Venerdi / Idem” (1941), de Vittorio De Sica, convicto de seu talento imenso. Convencendo os produtores, partiu para Ferrara com a atriz, começando as filmagens. Interessada no papel, ela enganou o diretor dizendo que estava grávida de dois meses, quando na verdade estava com cinco meses. Para substituí-la como a bela e infeliz esposa do dono de um boteco e de um posto de gasolina de beira de estrada, chamou às pressas Clara Calamai, que diria mais tarde que o cineasta era “um senhor medieval com chicote”. Em cena com ela, Massimo Girotti, que faria outros filmes com o diretor: “Sedução da Carne / Senso” (1954), “As Bruxas / Le Streghe” (1967) e “O Inocente / L’innocente” (1967). Visconti trabalharia com Magnani em “Belíssima / Bellissima”, de 1951, onde ela dá um show como a mãe humilde que sonha em tornar sua filha uma estrela infantil de cinema e é apaixonada por Burt Lancaster.

(04)

Girotti e Calamai em "Obsessão

Em 1944, em Roma, que foi declarada “cidade aberta” - denominação dada em tempos de guerra a uma cidade que, na iminência de ser atacada ou invadida, abandona todos os esforços de defesa, disposição de luta e se entrega ao inimigo -, LUCHINO VISCONTI se juntou à Resistência italiana, escondendo prisioneiros aliados em seu palácio e permitindo que ele fosse utilizado como centro de um comando secreto, arriscando-se a ser executado. Participou também em ações armadas contra os ocupantes alemães. Estas atividades fizeram com que fosse preso pela Gestapo em 1944, durante um curto período de tempo. Vingou-se do tempo passado na prisão quando filmou a execução do chefe da policia política italiana Pietro Caruso, para o documentário realizado em 1945 “Giorni di Gloria”.

Annie Girardot, Alain Delon e Visconti em "Rocco e Seus Irmãos"

(05)

Nos últimos anos da década de 40, direcionou toda sua energia para produções de teatro. Sua primeira peça, “Les Parents Terribles”, de Jean Cocteau, despontou como um sucesso e um escândalo. Fez cerca de 50 performances com casa lotada, o que era extraordinário para a época. Houve um grande tumulto e um êxito maior ainda quando encenou “Adamo”, de Achard, que lida com a homossexualidade. A reação do público para “Tobacco Road”, de Erskine Caldwell (filmado por John Ford), não foi menos violenta, chocando a classe mais abastada. Criticaram duramente seu próximo trabalho, a ópera “Fígaro”, descontentes com as inovações. Sua carreira na ribalta continuou com muitos sucessos, como “Crime e Castigo” e “À Margem da Vida”, e nomes do calibre de Vittorio Gassmann e Marcelo Mastroianni faziam parte de sua companhia teatral. Após a opulência de “Rosalinda”, patrocinado por Salvador Dali – que afirmou sarcasticamente que o realizador “era um comunista que só gostava do luxo” -, montou em 1949 “Um Bonde Chamado Desejo” - com Gassman como um vigoroso Stanley Kowalski -, conduzindo habilmente a agressividade e o erotismo latentes no texto. Dirigiu a tragédia “Orestes”; “A Morte do Caixeiro Viajante”, de Arthur Miller, com Mastroianni; “O Sedutor”, de Diego Fabro; “La Locandiera”, de Goldoni; “As Três Irmãs”, de Tchekov. Nos palcos de Paris, em 1961, brilhou com Alain Delon e Romy Schneider – no seu primeiro papel menos inocente -, na comédia "Pena Que Ela é Uma Puta", de John Ford. No finalzinho da vida, adoentado, montou com sucesso a polêmica peça de Harold Pinter, “Tanto Tempo Faz”, e a ópera “Manon”.

Visconti e Callas

(06)

Com Maria Callas fez uma inesquecível parceria. No Scalla de Milão dirigiu-a nas óperas “La Vestale”, “La Sonnambula”, “La Traviata” e “Anna Bolena”. A famosa cantora lírica afirmaria que fora LUCHINO VISCONTI que a ensinara a representar.

(07)

Berger e Lancaster em "Violência e Paixão"

Sonhou com Laurence Olivier para o papel do príncipe Fabrizio di Salina na obra-prima cult “O Leopardo / Il Gattopardo” (1963), aquele que acreditava na máxima de que se deve dar a impressão de que se está mudando tudo para que tudo permaneça igual. Mas o ator inglês tinha outros compromissos profissionais. Quando lhe foi sugerido Burt Lancaster, relutou, mas terminou por se encantar com a semelhança física dele com o personagem de Lampedusa. Ficaram amigos e Lancaster confessou que foi o melhor momento de sua carreira. Seu desempenho magistral é ao mesmo tempo aristocrático, distinto e profundamente humano. O diretor italiano doma o norte-americano ex-artista de circo, o transforma num ator que fala pausadamente, que brilha mais nos silêncios, nas pausas, que na voz alta. Onze anos depois, voltariam a trabalhar juntos no soberbo “Violência e Paixão / Gruppo di Famiglia in un Interno”, onde Lancaster faz o professor solitário, um alter ego do diretor.

Helmur Berger em "Os Deuses Malditos"

(08)

Acostumado a descrever nos seus filmes e peças os meandros complexos do afeto e do amor, LUCHINO VISCONTI mergulhou num universo destrutivo a partir de seu relacionamento amoroso com um austríaco temperamental, Helmut Berger, ator de pouco talento, drogado e escandaloso, que passou a ser inspiração e protagonistas de seus dramas desde um pequeno papel em “As Bruxas”, aos 23 anos. Tenso e inseguro, Berger destacou-se em “Os Deuses Malditos / La Caduta Degli Dei” (1969), principalmente na famosa cena em que imita a Lola-Lola de Marlene Dietrich em “O Anjo Azul / Der Blaue Engel” (1930), e viveu o papel-título de “Ludwig, a Paixão de um Rei / Ludwig” (1972). Nessa filmagem de 1972, o diretor sofreu um colapso que o deixou semiparalítico. Mesmo assim, em 1975, escalou o ator para “Violência e Paixão”, deixando claro na história que a lucidez não é capaz de impedir a sedução física. Com a morte do protetor, Berger decaiu subitamente, mesmo atuando em diversos filmes. Terminaria por tentar o suicídio, incendiando o seu apartamento.

Visconti, Claudia Cardinale e Jean Sore

(09)

Desde jovem VISCONTI fora um leitor atento e fiel de Proust. Tal conhecimento e intimidade com o universo do escritor francês deixou marcas profundas no seu imaginário. Mas ele partiu sem realizar um dos seus maiores sonhos, o de levar para as telas um dos volumes de “Em Busca do Tempo Perdido”. Em fins de 1969, a produtora Nicole Stéphane procurou o cineasta italiano e ofereceu-lhe a empreitada. Ele aceitou, mas apesar de partilhar em muitos pontos com o roteiro de Ennio Flaiano, preferiu uma versão que tivesse mais a sua marca. A tarefa coube então a Suso Cecchi D’Amico, com quem já dividira inúmeros trabalhos. O projeto era promissor. Locações foram escolhidas, figurinos desenhados, elenco anunciado: o Barão de Charlus, personagem principal da versão viscontiana, caberia a Laurence Olivier ou Marlon Brando; Marcel, o narrador, seria interpretado por Alain Delon (falou-se também em Dustin Hoffman); Helmut Berger interpretaria Morel; Silvana Mangano, a duquesa (Oriane) de Guermantes; Charlotte Rampling faria Albertine (Visconti também procurava uma atriz desconhecida para o papel); Edwige Feuillère, madame Verdurin; a avó de Marcel seria Madeleine Renaud; Marie Bell encarnaria a Berma; Simone Signoret, Françoise; e luxo supremo, Greta Garbo, convidada pela produtora, pedira um pequeno tempo para decidir-se. Temperamento sanguíneo, o diretor não se conteve e anunciou numa coletiva que Garbo estaria em seu filme como a Rainha de Nápoles. Tal exposição provocou a recusa da mítica atriz. De qualquer modo, por razões não de todo esclarecidas, o filme não veio à luz. Quando Nicole Stéphane pediu um adiamento no início das filmagens, a fim de captar mais recursos, Visconti partiu para outro projeto: “Ludwig”. A amiga e co-roteirista Suso D’Amico alega que ele no fundo temia realizar a Recherche, pois acreditava que esse seria seu último trabalho.

Silvana Mangano

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Atriz maravilhosa e uma das grandes estrelas do cinema europeu, Silvana Mangano tornou-se a musa de LUCHINO VISCONTI em seus últimos filmes. Ela interpretou Glória no episódio “A Bruxa Queimada Viva” em “As Bruxas”; a mãe de Tadzio em “Morte em Veneza / Morte a Venezia” (1971); Cosima Von Buelow, esposa do compositor Richard Wagner, em “Ludwig, a Paixão de um Rei” e a Marquesa Bianca Brumonti em “Violência e Paixão”. Apaixonado pela recordação da mãe falecida em 1939, o cineasta via ecos maternos na elegância e na personalidade forte da estrela italiana.

(Fontes: “Da Mann a Proust. Intervista con Visconti”, de Giuliana Bianchi; “Visconti”, de Yves Guillame; “Visconti: Classicisme et Subvertion”, de Michèle Lagny; “Luchino Visconti: Les Béances de Ludwig”, do Cahiers du Cinéma; e “Esplendor de Visconti”, de Maria Rosária Fabris, Alex Calheiros e Carlos Augusto Calil”)

********************** REIS DO RISO

2012-02-15T18:23:00.000-03:00

Edição Nº 74

Max Linder

MAX LINDER

(1883-1925)

O comediante que mais influenciou Chaplin era francês e teve fim trágico: ele e a mulher foram encontrados mortos num hotel de Paris, em 1925. Ele começou aos 17 anos, trocando a escola pelos palcos de Bordeaux. Quatro anos depois, mudou-se para Paris, onde ganhou pequenos papéis em peças melodramáticas. Em 1905, iniciou carreira na Pathé Filmes. Nos três anos seguintes, dividiu-se entre teatro e cinema, decolando para a fama. A ponto de, em 1910, já ser considerado o comediante mais conhecido das telas em todo o mundo. Passou, além de atuar e escrever, a dirigir filmes. Sua popularidade chega ao auge em 1914, mas, convocado para lutar na Primeira Guerra Mundial, foi atingindo por gases venenosos e teve seu primeiro colapso nervoso, que lhe deixou seqüelas pelo resto da vida. Voltou a atuar no cinema francês, mas logo aceitou proposta de um estúdio norte-americano e se mudou para Hollywood, onde seus problemas de saúde reapareceram. Morando novamente em Paris, casou-se em 1923. Mas não encontrou paz, mergulhando numa crise profunda. A última de sua vida.

MACK SENNETT

(1880-1960)

O primeiro rei da comédia no cinema. Tudo começou quando, aos 17 anos, se mudou do Canadá para os Estados Unidos. Artista de vaudeville, nas muitas viagens que fazia, conheceu o homem que iria dar o primeiro impulso na sua carreira: D. W. Griffith. Sob a direção do mestre, atuou em pequenos papéis. Quando um diretor de comédias adoeceu pouco antes do início de uma filmagem, ele foi chamado às pressas para substituí-lo. Era 1912 e Sennett começou a despontar para a glória – criando logo depois seu próprio estúdio, o Sennett’s Keystone, que se transformou na maior fábrica de gargalhadas de Hollywood. De humor fácil, de grande apelo popular, cheia de gags irresistíveis, o comediante trilhou uma trajetória ascendente. Alguns nomes que seriam, algum tempo depois, monstros sagrados da tela, começaram com ele: Chaplin, Gloria Swanson, Fatty Arbuckle, Mabel Normand, Harold Lloyd, Frank Capra etc.

HAROLD LLOYD

(1893-1971)

Começou numa companhia de teatro mambembe, parando com ela em Los Angeles. Com o fim da excursão, encontrou Hal Roach, que também sonhava com a fama – e ficaram amigos. O amigo recebeu uma herança familiar de 3.000 dólares e decidiu produzir filmes. Fizeram várias comédias de 1913 a 1915, mas as coisas começaram a dar certo quando criou o personagem Lonesome Luke, que fez muito sucesso. Mas, logo depois, achou a figura ideal: um homem bem-sucedido na vida, quase elegante, vestindo boas roupas, que usava um redondo par de óculos. Resultado: transformou-se em um dos maiores atores cômicos do cinema mudo. Nem um acidente foi capaz de interromper essa trajetória: durante a filmagem de “Haunted Spooks” (1920), uma bomba explodiu em sua mão, que ficou semiparalisada. Morreu de câncer aos 77 anos, em 1971.

BUSTER KEATON

(1895-1966)

Filho de artistas mambembes, aos seis meses já participava de espetáculos. Aos 21 era um nome de ponta do vaudeville e não teve dificuldades para aparecer como coadjuvante em curtas ao lado de Fatty Arbuckle. Em 1919, o produtor Joseph M. Schenck (casado com a atriz Norma Talmadge, irmã da mulher de Keaton, Natalie) o convidou para estrelar alguns filmes. Desse investimento resultaram sucessos, e durante muitos anos se tornou um ídolo do cinema mudo, principalmente a partir de sua obra-prima “A General / The General” (1926). Ao mudar-se para a poderosa Metro-Goldwyn-Mayer perdeu a liberdade de improvisar, submetendo-se às imposições de um grande estúdio. O resultado foi melancólico: abandonado pela mulher e afogando-se no álcool, o cômico se reduziu a um repetidor de velhas gags. Logo veio a decadência e passou o resto da vida fazendo pontas. A partir de 1962, o artista, morto em 1966, teve sua obra revista e mereceu uma retrospectiva da Cinemateca Francesa. “O Homem Que Não Ri”, como era conhecido, é reverenciado hoje como gênio.

CHARLES CHAPLIN

(1889-1977)

Nascido em Londres e criado num orfanato, em 1906 entrou para a companhia de Fred Karno e quatro anos depois assinou contrato com a Keystone, nos Estados Unidos. Filmes curtos de dois rolos fizeram sua fama internacional como Carlitos. Dirigiu e atuou em diversas obras-primas, mas durante muito tempo temeu o cinema sonoro. Seus envolvimentos com mulheres geraram vários escândalos. Perseguido pelo macarthirmo, exilou-se na Suíça. Retornou aos EUA em 1972 para receber um Oscar honorário, mas apenas com um visto de um mês. Suas realizações como comediante, diretor, roteirista, produtor e compositor foram notáveis. É um dos maiores nomes da história do cinema.

OS IRMÃOS MARX

Chico (1887-1961), Harpo (1888-1964),

Groucho (1890-1977) e Zeppo (1901-1979)

O grupo de comediantes mais escandalosamente excêntricos de Hollywood, fizeram da anarquia uma arte. Groucho era um mestre no jogo de palavras, Harpo era um mímico que tocava harpa, Chico um pianista que falava com sotaque italiano e Zeppo era o certinho. Nova-iorquinos e irmãos, começaram no teatro de variedades e depois na Broadway. Contratados pela Paramount, fizeram seus melhores e mais loucos filmes nesse estúdio. Depois foram para a Metro, onde atuaram no seu maior sucesso de bilheteria, “Uma Noite na Ópera / A Night at the Opera” (1935). Mas na MGM não tinham liberdade criativa e aos poucos foram decaindo. A última colaboração deles foi “Loucos de Amor / Love Happy” (1949), com Marilyn Monroe. Apenas Groucho continuou no cinema, terminando sua carreira em 1968 com “Skidoo / Idem”, de Otto Preminger.

W. C. FIELDS

(1880-1946)

Seu estilo de comédia não perdoava nada. Malabarista e artista de vaudeville, com um nariz grande e vermelho, alcançou a fama em musicais na Broadway. Seu modo de falar era imitado por muita gente e seu alcoolismo, legendário. O auge do sucesso aconteceu com o personagem Mr. Micawber em “David Copperfield / Idem” (1935), de George Cukor.

MAE WEST

(1893-1980)

Uma arquetípica deusa do sexo com estilo lânguido, corpo sensual e sagacidade ao falar. Começou como artista de vaudeville, tornando-se uma escandalosamente bem-sucedida dramaturga e comediante, estreando no cinema em 1932. Ela escrevia seus roteiros e foi co-autora de seus filmes, salvando a Paramount da falência e tornando-se a mulher mais bem paga de Hollywood. Os problemas com a censura, que incluíram um curto período na prisão por obscenidade, terminaram por afastá-la das telas, voltando ao teatro sempre com casa lotada.

O GORDO E O MAGRO

Stan Laurel (1890-1965) e Oliver Hardy (1892-1957)

Famosa dupla de comediantes em atividade desde o cinema mudo até meados da Era de Ouro de Hollywood, era composta por um magro, o inglês Stan Laurel, e um gordo, o norte-americano Oliver Hardy, que brilhavam no estilo pastelão. Apareceram também em apresentações teatrais nos EUA e na Europa. Nos anos 40, decepcionados com os filmes em que tinham pouco controle criativo, concentraram-se em suas apresentações teatrais. Fizeram seu último longa em 1951, depois se aposentaram das telonas. No total, eles apareceram juntos em 106 filmes.

BOB HOPE

(1903-2003)

Venceu um concurso de imitadores de Chaplin com apenas dez anos. No vaudeville, aprendeu a cantar, dançar e interpretar. Brilhou na Broadway e se transferiu para Hollywood em 1938. Uma das dez maiores bilheterias dos anos 40 e 50, conseguiu seu primeiro sucesso nas telas como o covarde cômico de “O Gato e o Canário / The Cat and the Canary” (1939). Sua carreira começou a declinar no final dos anos 50. Considerado uma instituição nacional, divertiu as tropas norte-americanas em várias guerras. Por mais de 30 anos apresentou a entrega do Oscar.

ABBOTT E COSTELLO

Bud Abbott (1895-1974)
e Lou Costello (1906-1059)

Dupla que fez sucesso com um humor simples, do tipo conhecido por pastelão, durante os anos 40. Eram verdadeiros ídolos das matinês. Começaram no teatro de revista na Broadway e no final da década de 40 a carreira de ambos entrou em declínio. Tentaram resgatar o prestígio perdido, mas não deu certo. Enfrentando graves problemas financeiros, Costello morreu vítima de um ataque cardíaco e Abbott passou os últimos dez anos de vida em uma casa de repouso.

OS TRÊS PATETAS

Shemp (1895-1975), Moe (1897-1955),

Larry (1902-1975) e Curly (1903-1952)

Grupo cômico em atividade de 1922 a 1970, mais conhecido por seus numerosos curta-metragens. Sua comicidade era marcada pela extrema comédia pastelão e farsa física. Moe, Larry e Curly (depois substituído por Shemp) protagonizaram 190 curta-metragens para a Columbia entre 1934 e 1958, sempre com sucesso. Nos anos 60, passaram a se apresentar ao vivo na tevê, em participações especiais disputadas.

DANNY KAYE

(1913-1987)

Tornou-se comediante antes dos 14 anos, trabalhando em hotéis. Durante os anos 30, apresentava-se em cabarés e apareceu em curtas. Tornou-se astro da Broadway em 1941 no musical “Lady in the Dark”, de Kurt Weill, e contratado por Samuel Goldwyn estreou no cinema como um recruta hipocondríaco em 1944. Sua carreira no cinema começou a declinar nos anos 50, embora “Hans Christian Andersen / Idem” (1952), com inúmeras canções de sucesso, arrecadasse enorme bilheteria. Kaye passou para a tevê nos anos 60 e suas aparições no cinema tornaram-se raras. Faleceu durante uma cirurgia cardíaca.

LUCILLE BALL

(1911-1989)

Artista desde os 15 anos, entrou para o cinema como uma das coristas da Metro. Seu talento apareceu lentamente graças a pequenas aparições em comedias e musicais. Nos anos 40 já havia conseguido um espaço como comediante. Em parceria com o músico cubano Desi Arnaz, seu marido a partir de 1941, criou e produziu “I Love Lucy”, inspirada em “My Favorite Husband”, um programa de rádio protagonizado pela dupla. A série fez enorme sucesso e marcou época na história da tevê. Ela estrelou outras duas séries de longa duração e filmes ocasionais.

JERRY LEWIS

(nasceu em 1926)

Começou nos palcos com seus pais aos cinco anos. Aos dezoito já era comediante profissional. Sua carreira decolou quando conheceu Dean Martin. O número deles era baseado na contradição: Martin era o cantor mulherengo seguro de si e Lewis o idiota descoordenado e desatento. Entraram para o cinema em 1949, contratados pela Paramount. Ao romper com Martin em 1956, ele passou a escrever, produzir e dirigir seus filmes. Continuou fazendo sucesso durante muito tempo, inclusive na Broadway.

OSCARITO

(1906-1970)

Nascido na Espanha, consagrou-se como o maior comediante brasileiro de todos os tempos. Iniciou sua carreira no circo, passou pelo teatro e em 30 anos fez 45 filmes. A primeira aparição nas telas aconteceu em 1933, em “A Voz do Carnaval”, antepassado das chanchadas que teriam nele seu grande astro. Grande Otelo era o seu parceiro habitual nas trapalhadas hilárias nas telas.

PETER SELLERS

(1925-1980)

Cômico anárquico, esse inglês ficou famoso com o programa de rádio “Good Show”, que mostrava seu talento como imitador. Depois de uma infinidade de comédias na Inglaterra, tornou-se uma celebridade internacional com “A Pantera Cor-de-Rosa / The Pink Panther” (1963) e “Doutor Fantástico / Doctor Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb” (1964). Neurótico e infeliz, morreu logo depois de um dos seus maiores sucessos, “Muito Além do Jardim / Being There” (1979), pelo qual concorreu ao Oscar de Melhor Ator.

AMÁCIO MAZZAROPI

(1912-1981)

Oriundo do circo, esse paulistano comandava um programa radiofônico no final dos anos 40. Contratado pela Vera Cruz fez um tremendo sucesso, lapidando seu personagem típico, um caipira ingênuo às voltas com os problemas da grande cidade, mas sempre conseguindo superá-los. Não se limitando a ser apenas ator nos 32 filmes de sua carreira, fundou sua própria produtora, escreveu roteiros e dirigiu filmes.

JACQUES TATI

(1907-1982)

Ele dirigiu apenas seis longas-metragens durante uma carreira de 60 anos, mas criou um herói cômico tão famoso como o vagabundo de Chaplin. Se os problemas relativos ao levantamento de recursos reduziram sua produção, o mesmo pode ser dito de seus preparativos obsessivos, que prolongaram seus projetos por anos. Começou nos cabarés, atuou em diversos curtas e terminou com seu nome lançado como uma figura importante na tradição dos grandes comediantes do cinema mudo. Embora tenham poucos diálogos, a insensatez cômica de seus filmes é destacada pelas trilhas sonoras absurdas.

CANTINFLAS

(1911-1993)

Engraxate, pugilista, motorista de táxi, toureiro e palhaço de circo, o mexicano Mário Moreno ao tornar-se comediante foi considerado o melhor do mundo por Chaplin. Seu bigode era único: dois chumaços ralos de pêlos caindo nos cantos da boca. As calças com os fundilhos lá embaixo, o lenço atado ao pescoço e um falar matraqueado fizeram dele um tipo inconfundível, super divertido. Estreou no cinema em 1936 e fez mais de cinqüenta filmes, sendo dois deles rodados em Hollywood: “A Volta ao Mundo em 80 Dias / Around the World in Eighty Days” (1956) – Oscar de Melhor Filme – e “Pepe / Idem” (1960).

(Fonte: “1.000 Que Fizeram 100 Anos de Cinema”, da The Times/Isto É;

e revistas “Cinemin”)

OS MAIORES FESTEIROS DA HOLLYWOOD CLÁSSICA

2012-02-14T01:20:00.000-03:00

Ava Gardner, Lana Turner e Fernando Lamas

As revistas especializadas em fofocas viviam elegendo os grandes festeiros de Hollywood, quem promovia os bailes mais entusiasmados e tinha as ideias mais originais para animá-los. Em agosto de 1939, a jornalista Elza Maxwell publicou na revista “Photoplay” uma lista dos melhores anfitriões da meca do cinema. Faziam parte dos selecionados, as irmãs Bennett (Constance e Joan, ambas adoravam dar festas), Kay Francis, Gary Cooper, Samuel Goldwyn, Myrna Loy, Basil Rathbone, a colunista Louella Parsons, Charles Chaplin, Douglas Fairbanks Jr., William Randolph Hearst e Marion Davies, Darryl F. Zanuck e Jack Warner. Os temas das festas promovidas pelos famosos eram cada vez mais criativos e irreverentes. Existiam bailes de última hora (chamados “Venha como você estiver”), que exigiam a presença dos convidados vestidos exatamente com o traje que usavam no momento do convite. Tentava-se assim revelar as intimidades das estrelas que, às vezes, aceitavam a provocação e compareciam à festa apenas usando roupas de baixo – ou até mesmo com creme de beleza espalhado pelo rosto. Outro tipo de FESTA que fazia muito sucesso – apelida de “Venha como você era!” – pedia ao convidado a comparecer levando fotos de quando era bebê. Ao chegar na casa onde o embalo aconteceria, sua fotografia era misturada com as dos demais convidados. O momento máximo da farra: descobrir os donos de cada foto.

Clark Gable, Carole Lombard, Mervyn LeRoy e Hearst

OS BAILES DE WILLIAM RANDOLPH HEARST E MARION DAVIES

William Randolph Herst, o magnata da imprensa (retratado em “Cidadão Kane / Citizen Kane”, 1941), e Marion Davies eram os mais extravagantes e criativos festeiros de Hollywood, capazes de realizar bailes das mil e uma noites que atraíam para os salões da mansão do casal em Beverly Hills dezenas de celebridades. As festas comemorativas do aniversário do anfitrião tinham seus ingressos disputadíssimos por todos aqueles que queriam ser alguém no cinema norte-americano. Sempre marcados por temas (os convidados tinham que usar fantasias referentes a um determinado assunto), os festejos varavam a madrugada e não deixavam pedra sobre pedra. Na festa dos 74 anos de Hearst, em 1937, o tema escolhido foi o mundo do circo – o que obrigou a derrubada de uma grande parede da mansão para que, no lugar, fosse edificado um carrossel de verdade.

Pickfair

A MANSÃO PICKFAIR

Douglas Fairbanks encarnava nas telas o típico herói norte-americano e Mary Pickford era a “Namoradinha da América”. Grandes estrelas do cinema mudo, eles construíram uma fabulosa mansão em Hollywood, a Pickfair, onde promoviam festas de arromba exclusivíssimas. Os astros e estrelas de Hollywood faziam de tudo para serem convidados. Joan Crawford, enquanto amante de Douglas Fairbanks Jr., era proibida de freqüentá-las, deixando a atriz à beira de um ataque de nervos. Joviais, agradáveis e bebuns, Pickford e Fairbanks eram considerados excelentes anfitriões. Tudo se acabou com a chegada do cinema sonora e a decadência de ambos.

Kay Francis, Philip Holmes, Richard Boleslwaski e esposa

EXCENTRICIDADES DE CAROLE LOMBARD

A estrela não se cansava de promover festas excêntricas. Num baile caipira promovido em homenagem ao seu namorado na época, o roteirista Robert Riskin, ela transformou sua casa numa fazenda do interior, em que galinhas e coelhos corriam livremente entre os convidados, e vacas tomavam banho de piscina. Ela também gostava de promover festas bizarras com motivações não exatamente alegres. Certa vez, nos anos 30, promoveu um baile que tinha como tema geral uma enfermaria hospitalar. Com a ajuda de amigos cenógrafos que trabalhavam nos estúdios, transformou sua mansão em um imenso hospital, chegando ao requinte de alugar material cirúrgico para dar maior realismo ao ambiente. Todo convidado recebia, ao chegar na festa, um avental hospitalar que passava a usar sobre a roupa e, em seguida, cada um era deitado em camas brancas, idênticas às existentes nos hospitais. Mais tarde, o jantar era servido sobre amplas mesas cirúrgicas, todas devidamente equipadas com material médico. A anfitriã chegou ao baile a bordo de uma ambulância, carregada numa maca por quatro amigos fantasiados de médicos.

Susan Hayward e Ingrid Bergman

A FEIRA DE MERVYN LeROY

O diretor de “Quo Vadis / Idem” (1951) também era chegado a promover grandes festanças. Em 1934, fechou um restaurante e realizou o que a revista “Hollywood Reporter” considerou “a festa mais original e colorida jamais oferecida na cidade”. O cineasta gastou milhares de dólares para transformar o local numa réplica da Feira Mundial de Chicago.

Norma Shearer e William R. Hearst

NORMA SHEARER CAUSA ESCÂNDALO

Numa festa promovida por Marion Davis e Hearst cujo tema era o velho oeste, todos capricharam nas fantasias – menos uma estrela que odiava que lhe dissessem o que fazer e, muito menos, o que vestir. Norma Shearer compareceu ao evento fantasiada de Maria Antonieta. Usava saias tão volumosas que os demais assentos da limusine que a transportava tiveram de ser retirados para que pudesse ficar mais confortável. Marion Davies, inconformada com a audácia da convidada, tentou impedir a entrada da star da M-G-M na festa. Mas foi derrotada: depois de muito bate-boca, Norma Shearer acabou vencendo e deu um jeito de entrar no salão, chamando a atenção de todos.

Cesar Romero e Sonja Henie

AS NUVENS DE SONJA HENIE

Patinadora e atriz, ela não media esforços para promover uma animada festa. Certa vez, transformou sua quadra de tênis numa rua de Nova York, sobre o qual criou um céu de plástico onde foram projetadas as imagens de nuvens.

Gene Markey e Myrna Loy

OS EMBALOS DE DOMINGO

O produtor David O. Selznick gostava de promover festas aos domingos – os convidados chegavam no início da tarde, jogavam tênis, nadavam, bebiam e dançavam. Lá pelas dez da noite os mais resistentes ainda tinham que assistir a um filme que estrearia nas telas nas semanas seguintes. Depois da Segunda Guerra Mundial, com o casamento do produtor com a atriz Jennifer Jones, as festas dominicais ficaram ainda mais animadas. Começavam antes das onze da manhã, nunca acabavam antes do amanhecer de segunda-feira. A anfitriã tinha um truque para manter-se sempre cheirosa, animada e impecavelmente arrumada durante todo o tempo que durava a maratona. Toda vez que surgia uma oportunidade, a atriz dava uma escapada para seus aposentos, onde tomava novo banho e depois colocava uma roupa limpa, idêntica à que estava usando anteriormente (na operação mantinha quatro cópias do mesmo traje sempre à mão).

Merle Oberon, Ronald Colman e Benita Hume

DUAS VEZES GEORGE CUKOR

Ele era conhecido por suas reuniões festivas sofisticadas com pessoas elegantes e conversas inteligentes no tom certo: nem vulgares, nem arrogantes. Algumas eram bem íntimas, para amigos como Vivien Leigh, Laurence Olivier, Kate Hepburn, Spencer Tracy, Ruth Gordon, Garson Kanin, Ramon Novarro etc.; outras espetaculares, grandiosas. Em 1972 fez uma festa em homenagem a Luis Buñuel, reunindo um incrível leque de notáveis diretores: Robert Mulligan, William Wyler, Robert Wise, Billy Wilder, Alfred Hitchcock e George Stevens.

(Fonte: "O Mundo do Cinema")

Claudette Colbert e Orson Welles

Mae West e Francis Lederer

Tyrone Power, Virginia Fox e Clifton Webb

Fay Wray e Gary Cooper

Adrian, Richard Boleslawski, Howard Hughes, Marios Davies e outros

Richard D. Zanuck e Alan Ladd

Rock Hudson, Terry Moore, Robert Mitchum e Marilyn Monroe

Rouben Mamoulian, Marlene Dietrich, Helen Hayes e Frank Borzage

Cornel Wilde, Jean Wallace, William Powell e esposa

Rock Hudson, Gloria Swanson e Tallulah Bankhead

******* ROMAN POLANSKI: TALENTO DIABÓLICO

2012-02-10T22:11:00.035-03:00

(Entrevista de Antonio Nahud Júnior, 2004, em Ibiza, Espanha)

O cenário é de cinema: no alto de uma colina, uma paradisíaca residência protegida por pinheiros com vistas para o mar Mediterrâneo. A decoração luxuosa tem toques orientais e mexicanos. ROMAN POLANSKI, de 71 anos, fuma um grosso charuto cubano na varanda. Sua esposa há mais de uma década, a atriz francesa Emmanuelle Seigner, está deitada num sofá branco, lendo um best-seller e indiferente à entrevista. A filha Morgane brinca na piscina e o mais novo, Elvis, está nos braços da babá. Não há nenhum sinal de um homem que cultua o satânico, como a mídia fez crer durante tanto tempo. Tudo é agradável e bastante familiar.

Adrien Brody em "O Pianista"

Nascido casualmente em Paris e autor de vários filmes fundamentais, desde a aplaudida estréia em “Faca na Água / Nóz w Wodzie” (1962), o polaco ROMAN POLANSKI ganhou há dois anos a Palma de Ouro do Festival de Cannes e o Oscar de Melhor Direção por “O Pianista / The Pianist”. De trajetória intensa, marcada por experiências cruéis (a mãe morreu em um campo de concentração nazista, passou a infância no gueto judeu de Cracóvia, a esposa Sharon Tate e o filho a ponto de nascer foram assassinados por um fanático religioso, foi acusado de manter relações sexuais com uma menor na casa de Jack Nicholson, expulsaram-no dos Estados Unidos etc.), durante duas horas fala sobre sua vida e carreira, amavelmente, revelando-se sem artifícios. Baixinho, enxuto, simpático, de sunga minúscula, camiseta azul, descalço, olhos pequenos e irônicos, o talentoso cineasta deixa cair por terra o mito do artista enigmático e libertino.

Sharon Tate e Polanski

Sua esposa, Emmanuelle Seigner, recebeu papéis destacados em vários dos seus filmes. Qual a importância dela para a sua vida e o seu trabalho?

Ela chegou num momento decisivo de minha vida, trazendo harmonia e paz. Apesar de sua juventude, descobri que possuía um instinto enorme em relação as pessoas e uma visão muito justa diante das coisas da vida. É uma mulher realista que com a idade vem adquirindo uma particular sabedoria. Nós nos conhecemos muito bem e fizemos um pacto de esquecer nossa relação amorosa durante o trabalho. Profissionalmente dissimulamos a intimidade para evitar interferências na nossa criação.

Antes trabalhou com gente do calibre de Mia Farrow, Catherine Deneuve, Isabelle Adjani e Ben Kingsley. Como funciona o seu relacionamento com os atores?

Tive vários relacionamentos profundos com atrizes, casei com algumas delas. Respeito os atores, sou um deles. O que não entendo são os que mudam de comportamento quando atingem a fama. Acho um absurdo quando um ator se crê um ser superior, com direitos especiais, exigindo as coisas mais extravagantes. Aprecio os inteligentes e sensatos, que vivem uma vida comum. Gosto de trabalhar com atores bons, desses que interpretam qualquer tipo de papel, como o Jack Nicholson ou a Meryl Streep.

Mia Farrow em "O Bebê de Rosemary"

Também é conhecido – e louvável – o seu interesse por atores veteranos, muitos deles praticamente aposentados.

É um prazer trabalhar com velhas glórias. Em “O Inquilino” dei um papel forte para Shelley Winters. Trabalhei com Ruth Gordon, Melvyn Douglas e Ralph Bellamy em “O Bebê de Rosemary”. Eles são excelentes atores da grande época de Hollywood. E um bom ator não tem idade.

Sabemos de sua infância sofrida e dos inúmeros problemas futuros. “O Pianista” deu-lhe a oportunidade de examinar suas angústias e medos pessoais?

Passei minha infância num gueto e consegui escapar. Eu queria fazer um filme sobre essa época usando material de minha vida, porém não queria contar minha história. Quando comecei a ler “O Pianista”, soube que seria meu próximo filme. É uma história que, apesar do horror, tem um lado positivo: um homem que se salva por sua arte. É a sobrevivência de um artista. O livro é objetivo, impressionou-me, pois não queria fazer um filme sentimental estilo made in Hollywood.

Fala de “A Lista de Schindler”, de Spielberg?

Falo de muitos filmes. “A Lista de Schindler” é um grande trabalho. Fui convidado por Spielberg para dirigi-lo e o recusei, pois a história é muito próxima da minha própria história. Conheci intimamente a muitos dos personagens retratados, e alguns ainda estão vivos, são meus amigos. Eu não faria um bom filme nessa situação. Jamais exploraria a minha vida ou a de meus amigos para vender ingressos. O filme sem distanciamento não é arte, é autobiografia.

Catherine Deneuve em "Repulsa ao Sexo"

Foi duro recriar um momento indigno da nossa história moderna e que faz parte do seu passado?

Na realidade, não. Filmar não foi difícil. Meus fantasmas eram massacrados diariamente num set de filmagens com centenas de pessoas. Tinha que estar com a mente voltada para questões técnicas. Acompanhar o processo de criação do roteiro de Ronald Harwood foi o mais doloroso.

Esta obra resgatou-o de vários insucessos e calou a boca dos que diziam que estava criativamente acabado. Concorda?

É um filme realmente importante para mim. Dirigi-o pensando num resultado simples, direto, procurando mostrar as coisas tal como as recordava. Fiz todo tipo de filme e tenho a impressão de que tudo que fiz antes era uma preparação para “O Pianista”. Pode ser que seja como um último chamado, afinal eu sempre soube que faria um filme na Polônia sobre a Segunda Guerra Mundial ou sobre o período pós-guerra.

Jack Nicholson em "Chinatown"

Como assim “último chamado”? Soa-me misterioso, quase sobrenatural.

Não acredito no sobrenatural. Não sou uma pessoa religiosa, portanto não sou supersticioso. Não tenho interesse na metafísica nem no esoterismo. O sobrenatural é apenas um elemento que usei em alguns filmes. O sombrio está dentro de nós, não é preciso procurá-lo muito longe.

Porém o macabro está presente em muitos dos seus filmes. É uma atração incontrolável?

Como já disse, não creio no sobrenatural. Rodei muitos filmes que não tratam do diabólico, e sempre sou lembrado como o Polanski com seus infernos, com seus demônios. Dizem o mesmo em todo o mundo. Participei de uma coletiva de imprensa recentemente e todos os jornalistas falaram sobre tal assunto. O maluco é que querem que eu aceite um clichê, como se não fosse dono de minha própria vida. Eu nunca vi o diabo e não creio nele da forma que é vendido. Não participo de rituais ou bruxarias como dizem por aí.

Não falo sobre o diabólico banalizado, religioso. Gostaria de saber o que tem a dizer sobre o mal presente na sua obra. Não há como negar, é um fato.

A verdade é que a metáfora do mal me interessa, ou seja, a idéia do homem enfrentando forças extremas que não controlam. Gosto muito do macabro como espetáculo. O medo também pode ser divertido. Uso o mal nas telas como diversão. Por que não? Ele está presente em “O Bebê de Rosemary” e “O Último Portal”.

Peter Firth e Nastassja Kinski em "Tess"

E em “O Inquilino”, “Macbeth”, “A Dança dos Vampiros”, “Lua de Fel”…

Possivelmente gosto do tema. Também me diverte de alguma forma. Porém, pode acreditar, sou um sujeito comum e na minha vida não é isso o que me interessa. O engraçado é que até Emmanuelle, minha mulher, disse-me certa vez: “O que faz de melhor são as histórias de vampiros e de diabos”. Ou seja, minha própria mulher colabora com essa etiqueta imposta. Portanto, nada posso fazer, só resta dar risadas.

Dezessete filmes em mais de quarenta anos de carreira. Por que filma tão pouco?

Os filmes são caros, os riscos são grandes e é difícil desenvolver um projeto, que pode durar anos para converter-se em realidade. É preciso escolher um tema, trabalhar no roteiro, organizar a produção, montar o financiamento, encontrar os atores. Nos anos sessenta era mais fácil, agora os interesses são outros e nem sempre vale a pena correr o risco. Quando se é jovem, quando não se é conhecido, podemos arriscar sem problemas e filmar da forma que for possível. Depois de uma certa experiência é melhor esperar um pouco mais, estar convencido de que será uma obra significante.

Fez várias adaptações literárias. É um grande leitor?

Eu amo profundamente os livros, seu aroma e tato, tudo o que faz parte deles. Amo a cadência das palavras, a forma como o autor se apodera dela. Gosto muito de Faulkner, Truman Capote e Scott Fitzgerald. Leio livros policiais, Raymond Chandler, a série noir francesa. A literatura norte-americana é a minha favorita, é a melhor. Porém prefiro a leitura de livros científicos e técnicos. Infelizmente creio que um livro é uma espécie em extinção.

Johnny Depp em "O Último Portal"

Além de dirigir filmes, teatro e ópera, e escrever roteiros, também atua. É importante para você? Woody Allen diz que só atua nos seus filmes quando não encontra o ator ideal para o papel.

Levo a sério minha carreira como ator. Gosto muito de atuar. Sou daqueles que incorpora realmente o que interpreta, vive o seu papel com entrega. Creio que tive um dos meus melhores momentos nessa área em “Uma Simples Formalidade”, de Giuseppe Tornatore, dividindo cena com Gérard Depardieu. É mais fácil atuar do que dirigir. Um ator faz o seu trabalho de preparação, atua, dá algumas entrevistas e continua a sua vida. Um diretor pode passar anos envolvido com o mesmo projeto.

Algum cineasta foi importante para a sua formação?

Luis Buñuel. Fiquei impressionado com “Os Esquecidos”, que vi na Escola de Cine de Lodz. Nunca tinha visto algo parecido. Sua originalidade, seu estilo nada convencional, suas interpretações realistas, comoveram-me. O cinema de Buñuel é fascinante, me interessa. Expressa certas idéias, pensamentos, de forma muito bem utilizada.

Por que passa os verões em Ibiza? Ajuda-o a elaborar projetos?

Estive na Espanha pela primeira vez no final dos anos cinqüenta. Acompanhava minha futura primeira mulher, Barbara Lass, que apresentava um filme no Festival de San Sebastian. Terminei gostando da Espanha, seu idioma e costumes. Passei a freqüentar Ibiza no final dos setenta e comprei esta casa uma década depois. É uma ilha tranqüila e com bom clima. Aqui penso, falo, leio, estudo propostas. No meio dessa tranqüilidade, estou sempre com a mente inquieta me preparando para o próximo filme.

Peter Coyote e Emmanuelle Seigner em "Lua de Fel"

E o que vem por aí?

Poderia dizer que quero continuar filmando, continuar alimentando o meu experiente e particular olhar em direção ao homem e suas paixões, obsessões e demônios. Trabalho atualmente na adaptação do livro “Oliver Twist”, de Charles Dickens.

OS 10 MELHORES FILMES DE POLANSKI

(por ordem de preferência)

(01)

O BEBÊ DE ROSEMARY

(Rosemary’s Baby, 1968)

Com Mia Farrow, John Cassavetes e Ruth Gordon

(02)

CHINATOWN

(Idem, 1974)

Com Jack Nicholson, Faye Dunaway e John Huston

(03)

O INQUILINO

(Le Locateire, 1976)

Com Roman Polanski, Isabelle Adjani, Melvyn Douglas,

Jo Van Fleet e Shelley Winters

(04)

TESS

(Idem, 1979)

Com Nastassja Kinski e Peter Firth

(05)

REPULSA AO SEXO

(Repulsion, 1965)

Com Catherine Deneuve e Yvonne Fourneaux

(06)

A DANÇA DOS VAMPIROS

(Dance of the Vampires, 1967)

Com Jack MacGowran, Ramon Polanski e Sharon Tate

(07)

A FACA NA ÁGUA

(Nóz w Wodzie, 1962)

Com Leon Niemgzyk e Jolanta Umecka

(08)

LUA DE FEL

(Bitter Moon, 1992)

Com Hugh Grant, Kristin Scott Thomas e Emmanuelle Seigner

(09)

MACBETH

(The Tragedy of Macbeth, 1971)

Com Jon Finch e Francesca Annis

(10)

O PIANISTA

(The Pianist, 2002)

Com Adrien Brody

Mia Farrow em "O Bebê de Rosemary"

************* MOCINHAS DE JAMES DEAN

2012-02-07T18:46:00.005-03:00

Edição Nº 73

James Dean

Homenageado pelo “Grupo de Blogs de Cinema Clássico”, JAMES DEAN (1931-1955) faria 82 anos no dia 8 de fevereiro caso estivesse entre nós, de carne e osso. A bacana Carla Marinho, editora do blog, convidou os associados ao seu concorrido espaço para escrever sobre o ídolo com total liberdade criativa. Como quase tudo já foi dito sobre ele, ensaio uma postagem sobre suas parceiras - até certo ponto românticas - nos três filmes que fez: Julie Harris, Natalie Wood, Elizabeth Taylor e Carroll Baker. “Vidas Amargas / East of Eden” e “Juventude Transviada / Rebel Without a Cause” (ambos de 1955), e “Assim Caminha a Humanidade / Giant” (1956) lhe trouxeram a fama e a marca de uma mágoa introspectiva. Foram dirigidos à juventude rebelde e alienada da época. Em todo o mundo, os jovens identificaram-se com a intensidade, a inquietação e o comportamento neurótico dos personagens do ator. Sua morte prematura e chocante na direção de um Porsche assegurou-lhe a imortalidade como mito do cinema.

Cal em "Vidas Amargas"

Depois de estudar teatro com o grupo de James Whitmore, JAMES DEAN conseguiu pontas em filmes e comerciais de tevê. Freqüentando o Actor’s Studio, seu desempenho como um homossexual árabe em “O Imoralista”, na Broadway, resultou em contrato com a Warner Brothers. Em “Vidas Amargas”, de Elia Kazan, adaptação de um best-seller de John Steinbeck, faz Cal Trask, um dos dois filhos do conservador e austero Adam Trask (Raymond Massey). Por mais que Cal tente, ele não consegue obter do pai o mesmo amor e carinho reservados ao irmão, o certinho Aron Trask (Richard Davalos). Tentando entender a origem do suposto mal que carrega consigo, descobre que a mãe (Jo Van Fleet, Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante), ao contrário do que o pai afirma, está viva e é dona de um bordel. Pouco a pouco, os conceitos de certo e errado do rapaz começam a mudar e ele entra em rota de colisão com o pai e com o irmão, com o qual ele ainda disputa a sensível Abra (Julie Harris). A atuação de JAMES DEAN é primorosa – concorreu ao Oscar de Melhor Ator - e a história, que transita entre vários núcleos, é atrativa e interessante. O ator estreante, com seu jeito ao mesmo tempo sensível e grosseiro, não agradou ao inglês Raymond Massey, o que acabou contribuindo para as cenas tensas entre os dois. Quando a câmera estava em Massey, Dean balbuciava palavrões para provocá-lo ainda mais.

Com Liz Taylor em "Assim Caminha a Humanidade"

O melhor longa-metragem do ator, “Juventude Transviada”, do mestre Nicholas Ray, é um clássico inesquecível. “Vocês estão me destruindo!”, grita o Jim Stark de Dean com os pais (Jim Backus e Ann Doran) que vivem brigando. Desiludido com sua família, com os professores e com a sociedade, ele se alia a duas outras almas perdidas, Judy (Natalie Wood) e Plato (Sal Mineo), tentando estabelecer sua própria família alternativa. O filme deu a JAMES DEAN o papel com o qual ele mais se identificava. Seu Jim não é tão rebelde, ele apenas não compreende o mundo ao seu redor. Em “Assim Caminha a Humanidade”, do premiado veterano George Stevens, faz Jett Rink, um ex-empregado de uma fazenda texana, que herda um pedaço de terra da patroa (Mercedes McCambridge), descobre petróleo e fica imensamente rico, porém sua vida pessoal é um fracasso (é apaixonado pela bondosa Leslie - Elizabeth Taylor -, casada com o bonitão Bick Benedict - Rock Hudson) e ele se entrega ao alcoolismo. Esse épico imortal lida muito bem com as diferenças raciais e de classes, e Dean rouba a cena, numa emblemática atuação, concorrendo novamente ao Oscar de Melhor Ator. Mas quando o filme foi lançado, ele já havia partido a toda velocidade.

JULIE HARRIS

(nasceu em 1925)

Abra em "Vidas Amargas"

Iniciou sua carreira no cinema em 1952, com “Cruel Desengano / The Member of the Wedding”, aos 27 anos, fazendo uma adolescente e sendo indicada ao Oscar de Melhor Atriz. No mesmo ano ganhou o prêmio teatral Tony com a peça “Goodbye to Berlin”, que mais tarde seria musicalizada como “Cabaret”. Em 1955, muito antes de Liza Minnelli, repetiria a personagem no cinema (“A História do Meu Passado / I Am a Camera”). Nesse mesmo ano veio o seu papel mais conhecido: Abra, de “Vidas Amargas”. Tornou-se muito amiga de James Dean durante as filmagens e era uma das poucas que parecia entendê-lo. Segundo Elia Kazan, que os dirigiu, ela tinha uma influência calmante sobre o ator. Kazan elogiou-a dizendo que é maravilhosa tanto como atriz quanto como pessoa. Sobre Dean, Julie disse: “Ele me levava para passear nas colinas de Hollywood, e corria tanto que meu coração parecia querer saltar pela boca. Mas eu não dizia nada. Ele era um camarada e podia contar comigo. Eu não estava atraída por ele, mas amava seu espírito livre. Nós éramos companheiros”. Ela fez outros filmes de destaque, entre eles, “Réquiem para um Lutador / Requiem for a Heavyweight” (1962), o clássico de terror “Desafio ao Além / The Haunting” (1963) e “Os Pecados de Todos Nós / Reflections in a Golden Eye” (1967). Grande atriz teatral, indicada dez vezes ao Tony, ganhou cinco dos prêmios. Um recorde absoluto até hoje. Também ganhou três Emmys por seus papéis na televisão, sendo indicada onze vezes. Na vida pessoal, sempre foi muito discreta. Casou-se três vezes. Sofreu um AVC em 2001. Em 2008 retornou aos palcos.

NATALIE WOOD

(1938 – 1981)

Judy em "Juventude Transviada"

Filha de uma arquiteto russo e uma bailarina, aprendeu a dançar e apareceu nas telas pela primeira vez aos cinco anos. Como atriz infantil ela encantou meio-mundo, e como adolescente se encaixou bem no perfil da compreensiva amiga de James Dean em “Juventude Transviada”, sua primeira indicação para o Oscar (de Melhor Atriz Coadjuvante). Nos relativamente castos anos 50 e 60, tinha o rosto ideal para representar a sexualidade nascente, com seus profundos olhos negros sugerindo um temperamento ardente reprimido sob uma aparência virginal. Os papéis pelo quais foi indicada novamente ao Oscar – “Clamor do Sexo / Splendor in the Grass” (1961) e “O Preço do Prazer / Love with the Proper Stranger” (1963) – exaltavam essas qualidades, assim como sua iluminada atuação como Maria, a amante predestinada no musical “Amor, Sublime Amor / West Side Story” (1961). Seu casamento de seis anos com Robert Wagner terminou em 1963, mas ela voltaria a unir-se com ele em 1972, passando a trabalhar menos. Sua morte trágica é um dos mistérios de Hollywood: bêbada, caiu de um iate e afogou-se.

ELIZABETH TAYLOR

(1932-2011)

Leslie Benedict em "Assim Caminha a Humanidade"

Estrela de cinema lendária e de beleza estonteante, nasceu em Londres numa família de norte-americanos ricos. Sua formosura logo chamou a atenção dos caçadores de talentos e, com 10 anos, estreou no cinema. Durante seu longo contrato com a M-G-M fez inúmeros filmes, amadurecendo de pequena atriz para mulher sedutora. Sua vida pessoal aumentou a venda de jornais. Casou-se com Nicky Hilton, herdeiro de uma cadeia de hotéis e o primeiro de seus oito maridos, quando tinha apenas 18 anos. Ganhou seu primeiro Oscar de Melhor Atriz em 1960, após quase morrer de pneumonia – os ataques dramáticos de saúde/doença de Liz foram quase tão famosos quanto seus casamentos. Os anos 60 caracterizaram-se por sua associação com seu quinto marido, Richard Burton, que conheceu nas filmagens de “Cleópatra / Idem” (1963). Ganhou um segundo Oscar em 1966. Nas décadas seguintes, tornou-se uma alcoólatra e viciada em drogas, gorda e triste, fazendo filmes ocasionais e descartáveis. Com o declínio de sua carreira no cinema, dedicou-se a levantar fundos para a pesquisa contra a Aids e ao lançamento de uma linha de perfumes. Morreu aos 79 anos, comovendo o mundo.

CARROLL BAKER

(nasceu em 1931)

Luz Benedict II em "Assim Caminha a Humanidade"

Trabalhou como dançarina e assistente de mágico para pagar um curso de interpretação no Actor’s Studio. Ao casar-se com o diretor teatral Jack Garfein, passou a fazer comerciais de tevê e algumas peças na Broadway, iniciando o que parecia uma espetacular carreira ao protagonizar “Boneca de Carne / Baby Doll” (1956), de Elia Kazan, pelo qual concorreu ao Oscar de Melhor Atriz. De forte magnetismo sexual, lançada como uma nova Marilyn Monroe, não estava interessada em ser reconhecida como sex-symbol, entrando em colisão com o seu estúdio, Warner Bros., que a impediu de participar em filmes importantes – “As Três Faces de Eva / The Three Faces of Eve” (1957), “Gata em Teto de Zinco Quente / Cat on a Hot Tin Roof” (1958) e “Os Irmãos Karamazov / The Brothers Karamazov” (1958). Ela descartou o papel que terminaria nas mãos de Natalie Wood em “Juventude Transviada” (1955). Mas cairia nos braços de James Dean em “Assim Caminha a Humanidade”, como a rica e impetuosa Luz Benedict II, filha de Elizabeth Taylor e Rock Hudson. Nos anos 60, brilharia em "Crepúsculo de Uma Raça / Cheyenne Autum" (1964), de John Ford; "Os Insaciáveis / The Carpbaggers "(1964) e no papel-título de "Harlow - A Vênus Prateada / Harlow" (1965). Terminou se mudando para a Europa, atuando em filmes de pouca importância. Em 1997 trabalhou com o nosso Hector Babenco em “Ironweed / Idem” (1997), ao lado de Jack Nicholson e Meryl Streep.

*** FILMES SOBRE A DITADURA MILITAR NO BRASIL

2012-02-04T21:58:00.026-03:00

Daniel de Oliveira em "Batismo de Sangue"

Entre 1964 e 1985, o Brasil viveu sob um infame regime militar caracterizado pela restrição à liberdade. Foram anos de chumbo, predominando a censura e a perseguição. Centenas de militantes e políticos de esquerda foram torturados, tiveram que fugir ou desapareceram, assassinados pela repressão. Enquanto isso, a propaganda institucional mapeava o país com os slogans “Ninguém segura este país” ou “Brasil, ame-o ou deixe-o”; a dupla Don e Ravel fazia sucesso em rádios e programas de televisão com o refrão: “Eu te amo, meu Brasil, eu te amo, ninguém segura a juventude do Brasil”; nas escolas, cantava-se “Este é um país que vai pra frente”; e o hino da Copa de 1970 panfletava "Noventa milhões em ação, pra frente Brasil do meu coração". Uma completa farsa.

Ao longo dos séculos, a cultura sempre foi arma de arremesso contra o obscurantismo imposto por todo o tipo de ditaduras, tornando-se o principal catalisador do iluminar de consciências. É precisamente nesta linha de pensamento que surgiram filmes que falam da ditadura militar no Brasil ou das cicatrizes que ficaram, criticando bravamente o sistema repressor dessa época. São longas que transportam para as telas os horrores praticados e vividos por muita gente. Alguns retratam eventos e/ou personagens históricos reais; outros, de ficção, mas ao mesmo tempo possuem um sentido histórico. Publico aqui um levantamento amplo e fundamentado da filmografia que tematiza a ditadura militar brasileira. Confira, assista alguns deles, reflita e, se possível, não permita que o nosso país repita tamanha vergonha.

O DESAFIO
(1964)

de Paulo César Saraceni

Com Isabella, Oduvaldo Vianna Filho e Luiz Linhares

Melodrama da perplexidade da pequena burguesia intelectual face à ditadura militar instalada no Brasil em 1964, narra o romance entre a mulher de um rico industrial e um estudante de esquerda. Provocou algumas controvérsias, mas fracassou nas bilheterias.

A DERROTA
(1966)

de Mário Fiorani

Com Luiz Linhares, Glauce Rocha e Ítalo Rossi

Engajado no combate ao absurdo da existência da polícia política, conta a história de um homem preso e torturado física e psicologicamente por causa de uma confissão que se nega a prestar. Ele inverte a situação de vítima e tenta desesperadamente liquidar o bando que o aprisionara. Um sólido sucesso de crítica, muito bem interpretado pelos protagonistas. Filme de estréia do diretor.

JARDIM DE GUERRA
(1968)

de Neville d’Almeida

Com Joel Barcellos,Hugo Carvana, Dina Sfat e Glauce Rocha.

Ensaio político sobre em jovem amargurado e sem perspectivas que se apaixona por uma cineasta e é injustamente acusado de terrorista por uma organização de direita que o prende, o interroga e o tortura.

A VIDA PROVISÓRIA
(1968)

de Maurício Gomes Leite

Com Paulo José, Dina Sfat e Joana Fomm

Jornalista que vai à Brasília cobrir a entrevista de um ministro, entrega a um membro do governo documentos comprometedores. Seguido e ferido, agoniza, recordando as mulheres que amou. Roteiro confuso e bons atores em cena.

O BOM BURGUÊS

(1979)

de Oswaldo Caldeira

Com José Wilker, Betty Faria, Christiane Torloni, Jofre Soares, Nelson Xavier e Jardel Filho

Policial realizado ainda durante a ditadura militar, fala sobre a luta armada no Brasil, inspirado livremente em personagem real. Na década de 1960, um bancário usando de artifícios contábeis desvia cerca de dois milhões de dólares para a guerrilha que enfrenta o ditadura militar. Esse bancário ficou conhecido na imprensa, entre os guerrilheiros e nos órgãos de repressão, como "o bom burguês".

PAULA – A HISTÓRIA DE UMA SUBVERSIVA (1980)

de Francisco Ramalho Júnior

Com Armando Bogus, Marlene França e Helber Rangel

Um arquiteto é informado pela ex-esposa do desaparecimento da filha. O policial designado para as investigações anos antes efetuara a prisão do arquiteto e de sua amante, líder estudantil que optara pela luta armada. Banida do país, ela retornara e fora morta num confronto com a polícia. O arquiteto faz um balanço da geração que pensara um dia mudar os destinos do país.

PRA FRENTE, BRASIL
(1982)

de Roberto Farias

Com Reginaldo Farias, Antônio Fagundes, Natália do Valle e Elizabeth Savalla

Um homem pacato de classe média é confundido com um ativista político, preso e torturado. Enquanto isso, sua família procura notícias suas. Lançado ainda com o General Figueiredo na presidência, ganhou o prêmio de Melhor Filme no Festival de Gramado, mas erra feio ao escalar atores marcados pela televisão.

NUNCA FOMOS TÃO FELIZES
(1984)

de Murilo Salles

Com Cláudio Marzo, Roberto Bataglin e Suzana Vieira

Rodado no último ano do regime militar, fala de um rapaz retirado de um colégio interno por seu pai que estava na prisão, após oito anos de estudos. Ele investiga o mistério que o cerca, em busca de sua identidade e descobre que o pai é um perseguido político. Tem boas intenções, mas não entusiasma.

CORPO EM DELITO
(1989)

de Nuno César Abreu

Com Lima Duarte, Regina Dourado e Dira Paes

Um médico legista frio e solitário, que presta serviços aos órgãos de repressão política, forjando laudos de morte natural para massacrados pela tortura praticada nos porões da ditadura militar, apaixona-se por garota que trabalha numa casa noturna.

QUE BOM TE VER VIVA
(1989)

de Lúcia Murat

Com Irene Ravache

Misturando os delírios e fantasias de uma personagem anônima com os depoimentos de oito ex-presas políticas que viveram situações de tortura. Mostra o preço que essas mulheres pagaram, e ainda pagam, por terem sobrevivido lúcidas à experiência de tortura. Para diferenciar a ficção do documentário, optou-se por gravar os depoimentos reais em vídeo, como o enquadramento semelhante ao de retrato 3x4.

LAMARCA
(1994)

de Sérgio Rezende

Com Paulo Betti, Carla Camurati e Selton Mello

Crônica dos últimos anos na vida do capitão do exército Carlos Lamarca. Nos anos da ditadura, ele desertou das forças armadas e passou a fazer oposição, tornando-se um dos mais destacados líderes da luta clandestina. Grande atuação de Paulo Betti.

O QUE É ISSO, COMPANHEIRO?
(1997)

de Bruno Barreto

Com Alan Arkin, Fernanda Torres, Pedro Cardoso, Cláudia Abreu e Selton Mello

O grupo terrorista MR-8 elabora um plano para seqüestrar o embaixador americano, pensado em trocá-lo por presos políticos torturados nos porões da ditadura. Concorreu ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro.

AÇÃO ENTRE AMIGOS
(1998)

de Beto Brandt

Com Leonardo Villar, Zécarlos Machado e Cacá Amaral

Lutando contra o regime militar brasileiro, quatro amigos são presos pelas forças de repressão da ditadura em 1971 e torturados durante meses. Vinte e cinco anos depois, eles se reúnem ao tomar conhecimento de que o torturador - ao contrário do que diz a versão oficial - está vivo. Decidem então seqüestrá-lo - e matá-lo. Todavia, ao ser capturado, o torturador faz uma revelação surpreendente que muda toda a história.

DOIS CÓRREGOS – VERDADES SUBMERSAS NO TEMPO
(1999)

de Carlos Reichenbach

Com Carlos Alberto Riccelli, Beth Goulart e Ingra Liberato

Duas adolescentes burguesas passam uma temporada numa fazenda e acabam convivendo com o tio de uma delas, um homem misterioso, que está clandestino no país, escondido.

CABRA-CEGA
(2004)

de Toni Venturi

Com Leonardo Medeiros, Débora Duboc e Jonas Bloch

Um militante da luta armada é ferido numa emboscada da polícia e precisa se esconder na casa de um arquiteto, simpatizante da causa. Ganhou cinco Candangos no Festival de Brasília, entre eles, Melhor Diretor, Melhor Ator e Melhor Roteiro.

BATISMO DE SANGUE
(2006)

de Helvécio Ratton

Com Caio Blat, Daniel de Oliveira e Cássio Gabus Mendes

No final dos anos 1960, um convento de frades torna-se um local de resistência à ditadura. Cinco deles apóiam um grupo guerrilheiro e ficam na mira das autoridades policiais. Posteriormente são presos, passando por terríveis torturas. Melhor Diretor e Melhor Fotografia no Festival de Brasília. Grandes interpretações.

O ANO EM QUE MEUS PAIS SAIRAM DE FÉRIAS
(2006)

de Cao Hamburger

Com Michel Joelsas, Simone Spoladore, Caio Blat e Paulo Autran

Casal de militantes deixa o filho de 12 anos com o avô para esconder-se da repressão, prometendo voltar até o fim da Copa do Mundo de 1970. Mas o avô morre e o garoto terá de se integrar à comunidade judaica local, além de terminar por conhecer alguns militantes. Melhor Filme no Grande Prêmio do Cinema Brasileiro.

ZUZU ANGEL
(2006)

de Sérgio Rezende

Com Patrícia Pillar, Daniel de Oliveira e Leandra Leal

Uma estilista de moda que ganhou projeção internacional trava uma batalha contra as autoridades militares em busca do corpo de seu filho. Ele participava da luta armada, foi torturado e morto. Ótimas atuações de Pillar e Daniel de Oliveira.

SONHOS E DESEJOS
(2006)

de Marcelo Santiago

Com Felipe Camargo, Mel Lisboa e Sérgio Morrone

Uma estudante, um professor de literatura e um guerrilheiro ferido - que está sempre com o rosto coberto - são militantes confinados em um apartamento em Belo Horizonte. Eles confrontam suas opções afetivas e políticas, envolvendo ideologia, lealdade, traição e desejo.

(Fontes: “História Ilustrada dos Filmes Brasileiros – 1029-1988”, de Salvyano Cavalcanti de Paiva; “Enciclopédia do Cinema Brasileiro”, de Fernão Ramos e Luiz Felipe Miranda; e “O Discurso Cinematográfico”, de Ismail Xavier)

************ POLA NEGRI, A “FEMME FATALE”

2012-02-03T12:52:00.003-03:00

Uma das maiores estrelas do cinema mudo, a polonesa POLA NEGRI (1897-1987) foi uma das mais exóticas estrangeiras nos primórdios de Hollywood. Conheço pouco seu trabalho, assisti apenas dois de seus 67 filmes – “Madame DuBarry / Idem” (1919) e “Sumurun / Idem” (1920), ambos alemães e dirigidos pelo mestre Ernst Lubitsch -, mas me encantei com sua presença sedutora, senhora de si e vivaz. Quase todos os homens nesses dramas de época se apaixonam por ela, do filho do sheik ao rei francês Luis XV. Vamp por excelência, suas ligações amorosas com Charles Chaplin (um escândalo alimentado pela imprensa sensacionalista, com manchetes que anunciavam um casamento que nunca chegou a ocorrer) e (segundo ela) com Rudolph Valentino manteve o seu nome em alta, mas após a morte do latin lover em 1926 sua fama diminuiu. Ao estrelar seu primeiro filme sonoro, dramática e excessivamente voluptuosa, ridicularizaram-na, fazendo com que voltasse para a Alemanha, onde um dos seus maiores sucessos, “Mazurka / Idem” (1935), de Willi Forst, tornou-se um dos filmes favoritos de Adolf Hitler. Sem um tostão, fugiu para a Riviera Francesa em 1941, antes da invasão nazista, e depois se mudou definitivamente para os Estados Unidos. Aposentou-se após o fracasso de “Casado Sem Casas / Hi Diddle Diddle” (1943), surgindo nas telas apenas para uma participação especial como Madame Habib em “O Segredo das Esmeraldas Negras / The Moon-Spinners” (1964), produção de Walt Disney. Nele, sua personagem dizia: "Sobrevivi a duas guerras, quatro revoluções e cinco maridos", praticamente retratando sua vida tempestuosa.

Uma das heroínas do cinema mudo, nas telas era considerada uma vamp, que levava os homens que se aproximavam dela ao perigo e ao pecado. Mesmo com a reprovação de muitos pais de família, o perfil feminino da vamp fazia muito sucesso nos anos 1920. Era nas imagens do cinema que a platéia encontrava formas para os seus anseios interiores. O cinema e os tipos femininos reproduzidos no star-system circulavam em espaços que não se limitavam apenas as salas de exibição: nas conversas de bar, nas certidões de algumas crianças e em vários objetos de uso cotidiano (sapatos, maquiagens - através do “Pó de arroz Pola Negri”- e nas capas das revistas de maior circulação). A imagem da atriz, com roupas não convencionais, fumando, com um sorriso maroto, atuava como reflexo da mulher moderna e decidida. Ela foi modelo de inspiração para o comportamento das moças mais rebeldes.

Nascida na Polônia, POLA NEGRI teve uma vida confortável até que em 1905 seu pai se envolveu na luta de seu país pela independência e foi exilado para uma prisão na Sibéria, nunca mais sendo visto. A tranqüilidade material desapareceu, e ela e sua mãe se mudaram para as favelas de Varsóvia. A mãe trabalhava como cozinheira, enquanto ela passava o tempo aprendendo sozinha a dançar. Desejando se livrar da extrema pobreza, fez um teste e foi aceita para o Ballet Imperial. Como bailarina, mostrou-se ser uma talentosa promessa, até que contraiu tuberculose e se viu obrigada a finalizar sua curta carreira no mundo da dança. No entanto, entrou para a Academy Imperial of Dramatic Arts e se tornou uma atriz de teatro, estreando triunfante como Hedwig em “O Pato Selvagem”, de Ibsen. A I Guerra Mundial praticamente obrigou-a fazer filmes, já que os teatros poloneses foram desativados. Em 1917, teria a maior chance de sua vida ao ser convidada para trabalhar com o famoso Max Reinhardt, em Berlim. Com seu cabelo preto, olhos escuros e expressões intensas, logo seria uma popular estrela, fazendo uma bem sucedida parceria com Lubstich. Um desses filmes, “Madame DuBarry”, rebatizado como “Passion” nos EUA, fez dela uma sensação internacional.

Um ano depois da super-estrela Mary Pickford – a “Namoradinha da América” - convidar Lubistch para dirigir “Rosita / Idem” (1923), POLA NEGRI foi contratada pela Paramount em 1923. Estrela incontestável, três fatos conspiraram para acabar com sua carreira norte-americana: o escândalo performático que ela armou no funeral de Valentino, em 1926, mudando a aceitação do público em relação a sua pessoa; o Código Hays de censura, nos anos 30, que perseguia estrelas abertamente eróticas; e, finalmente, seu sotaque. Na década de 50, cogitada para fazer o papel de Norma Desmond em “Crepúsculo dos Deuses /Sunset Boulevard” (Mary Pickford e Mae West também), Billy Wilder terminou por escolher Gloria Swanson. Grande atriz, embora vista por muitos apenas como um objeto sexual, ela sempre insistiu que teve um romance secreto com Valentino, embora muitos amigos do ator jurem que eles não tinham a menor intimidade. Indiferente aos descrentes, enviou uma fabulosa coroa de rosas vermelhas (no valor de 2 mil dólares) para ser colocado no caixão de Rudy, em Nova York, com o nome "Pola" em letras garrafais, o suficiente para ser lido em fotos impressas em jornais de costa a costa.

Oitenta mil pessoas lotavam as ruas para acompanhar o velório de Rudolph Valentino. POLA NEGRI chegou com guarda-costas, um secretário particular e a imprensa, vestida de negro (no valor de US $ 3.000) e se atirando aos prantos no caixão do falecido. Em voz alta, disse que tinha sido pedida em casamento por Rudy, lamentando: "Meu amor por Valentino é o maior amor da minha vida. Eu o amo não como uma artista ama outro artista, mas como uma mulher ama loucamente um homem". Seus soluços, gritos histéricos e desmaios incitaram a multidão fanática ao motim, quebrando as janelas da casa funerária, danificado arranjos florais e ferindo muita gente. Tentando provar o seu amor pelo mito, ela voltou a Hollywood no trem que carregava o caixão do defunto. Em cada parada, saía para a plataforma traseira e dramaticamente desmaiava, aparentemente inconsolável. Se qualquer fotógrafo reclamava que tinha perdido o momento, ela convenientemente desmaiava uma segunda vez. Posteriormente, lembrou sua tristeza inconsolável em diversas coletivas de imprensa.

Obcecada pela publicidade, inclusive divulgando sua suposta rivalidade com outra estrela, Gloria Swanson - embora, na realidade, elas se davam muito bem - e caminhando com um tigre de estimação pela Sunset Boulevard, terminou por obscurecer o fato de que era uma excelente atriz, com um currículo de filmes interessantes. POLA NEGRI não tinha uma beleza convencional, e seus personagens desinibidos era algo novo. Hollywood tentou glamourizá-la, incentivando seu esnobismo. Em sua autobiografia, “Pola Negri: Memoirs of a Star”, a atriz mudou sua própria data de aniversário, rejuvenescendo alguns anos. Diversas outras afirmações estão em desacordo com relatos documentados, incluindo sua alegação de que sua mãe era nobre. Ao casar com o conde Eugene Dambski em 1919, usou seu título de Condessa em todas as oportunidades públicas, como se sua existência fosse além dos meros mortais. Separam-se em 1922, e em 1927 ela se casou com o príncipe Sergei Mdivani. Achando que tinha o direito divino de sua posição de poder e glória, regalava-se com a adoração dos fãs. Em 1931, abandonada pelo príncipe, que passou a mãe em boa parte de sua fortuna, reinventou-se na Alemanha. Com a carreira finalizada depois do período germânico, em 1948 conheceu uma milionária herdeira de poços de petróleo, Margaret "Margo" West. Passaram a namorar, vivendo juntas em Santa Mônica durante anos, colecionando valiosos objetos de arte e com intensa vida social. Em 1951, ela recebeu a cidadania norte-americana, e em 1957 o casal se mudou para a cidade natal de Margo, no Texas. Quando a amada morreu em 1963, deixou sua enorme fortuna para a veterana atriz. Ela passou os últimos vinte e cinco anos de sua vida distante do mundo artístico e faleceu aos 90 anos vítima de uma pneumonia. Em seu leito de morte, ao ser atendida por um médico jovem e bonito, que não sabia de sua reputação no passado, no melhor estilo Norma Desmond, fez pose de estrela de cinema e perguntou: "Como você não sabe quem eu sou?".

Pola e Lubitsch

Sinônimo de sofisticação e glamour, no seu auge a atriz ganhava US $ 10.000 por semana, gastando praticamente tudo em jóias, peles e na manutenção de um palácio em Los Angeles. Ela popularizou as unhas vermelho-vivo, turbantes e botas altas, e exigia que fosse chamada como “Madame Negri”. Em seus filmes, realçava os olhos profundos e castanhos usando uma maquiagem dramática. Raspou as sobrancelhas, pintando-as com duas linhas finas e pretas, em um arco que deixava seu olhar melancólico e trágico. Seus lábios finos eram enfatizados pelo batom escuro. Mas POLA NEGRI fez muitos inimigos em Hollywood ao denunciar a indústria local como um deserto cultural, declarando seu desprezo por tudo o que ela representava. Muitas vezes anunciou à imprensa que seu único refúgio era os livros e a música. O público começou a se cansar de sua vida melodramática, e sua imagem se converteu numa espécie de piada.

A era do cinema mudo se foi. Com ela, todas as estrelas da época. Divulgadas em manchetes de jornais, iluminadas em outdoors e tratadas com reverência, estão agora quase esquecidas. Talentos excepcionais como Norma Talmadge, Emil Jannings, Brigitte Helm e Nita Naldi são pouco lembrados hoje. A tragédia do cinema mudo é que de todos os filmes feitos na ocasião, não mais que 20% ainda existem, e menos ainda aqueles disponíveis para ser visto pelo público. POLA NEGRI é certamente uma das principais alegrias do cinema mudo. Sua presença na tela, sexy em todos os sentidos, é também forte e apaixonada. Foi ela, juntamente com Ernst Lubitch, que introduziu o sexo nas telas. Famoso por seu "Toque" que misturava humor inteligente e insinuações eróticas, confundindo a censura, o diretor criou muitas maneiras novas e inventivas para falar de sexo sem realmente mostrá-lo. Já Madame Negri foi capaz de ser mais sedutora com um olhar caprichoso que muitas atrizes com todo o corpo.

(Fontes: “Pola Negri: Memoirs of a Star”, de Pola Negri; “Hollywood Babylon”, de Kenneth Anger; “Os Filmes”, de Richard Griffith & Mayer Arthur; “1000 Que Fizeram Cem Anos de Cinema”, do The Times/Isto É, e “The Stars”, de Richard Schickel).

Em "Sumurun"

10 FILMES DE POLA NEGRI

CARMEN

(Idem, 1918)

de Ernst Lubitsch

MADAME DUBARRY

(Idem, 1919)

de Ernst Lubitsch

SUMURUN

(Idem, 1920)

de Ernst Lubitsch

A BELA DIANA

(Bella Donna, 1923)

de George Fitzmaurice

PARAÍSO PROIBIDO

(Forbidden Paradise, 1924)

de Ernst Lubitsch

EAST OF SUEZ

(1925)

de Raoul Walsh

HOTEL IMPERIAL

(Idem, 1927)

de Mauritz Stiller

AMORES DE UMA ATRIZ

(Loves of na Actress, 1928)

de Rowland V. Lee

THREE SINNERS

(1928)

de Rowland V. Lee

MADAME BOVARY

(Idem, 1937)

de Gerhard Lamprecht